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言葉ではなく、体感できる“何か” ―『アンフォルメルとは何か?』―

『アンフォルメルとは何か? —20世紀フランス絵画の挑戦』 (ブリヂストン美術館)


Informelチラシ
 のんびり構えていたら終了していた(汗)。
 とても嬉しい展覧会だったので、遅ればせながら。

 静かに所蔵品を中心とした企画展をおこなっているブリヂストン美術館で開催された「アンフォルメル」。聞いただけでまず浮かんだのが、こちらで持っているフォートリエとヴォルス。
 久しぶりに逢いたいなと思い、訪れた。

 国外からの出品作品も予定されていたらしいが、先の震災の影響で叶わなかったらしい。しかし国内各所から集められた作品で構成された空間は、充分にいや贅沢にアンフォルメルの活動の軌跡を感じさせてくれる。(1点ポンピドゥがスーラージュを提供してくれたようで、謝辞とともに特別展示されていた)

 大戦後にパリで批評家タピエにより名付けられたアンフォルメルは、「非定形なるもの」の意味を持ち、物質としての絵具の質感とボリューム感、そして色彩による、描かれたものではない、抽象的な形態のうちに“何か”を表現する一連の作家たちのムーヴメント。
 それは歴史的にこれまでなかった大量殺戮、大量破壊の大戦を経て、個々の人間性否定の現実を目にした芸術家たちの叫びでもあり、同時に近代を超える新しい創作への渇望でもあった。

 展覧会は3章に分けられ、いわゆる抽象絵画の萌芽としての20世紀初頭の作品をコレクションから紹介する導入から、タピエの提唱により定義づけられたアンフォルメルの代表的画家としてのフォートリエ、デビュッフェ、ヴォルスを紹介、そして当時パリでその影響を受けたアメリカや日本のアーティストたちから現代に至るまでの「非定形なるもの」の作品を大きな流れのとして概観できる造りになっている。

 第1章:抽象絵画の萌芽と展開

Informel_Cezanne ブリヂストンが誇る印象派のコレクションと、セザンヌやピカソ、クレーなど、20世紀初頭の代表的な画家たちの作品を通じて、抽象的な表現が生まれてくる絵画の流れを見せる序章。

Informel_Klee_Mondorian 相変わらずここに飾られる作品のクオリティには改めて感嘆する。
 セザンヌ≪セント・ヴィクトワール山≫、モネ≪睡蓮の池≫、ピカソの静物画、クレーの≪島≫(先日の『クレー展』の記憶も新しく、これをあの会場で観たかったな、と…)、そして並ぶと改めて、その点描という共通点と共に、両者の目指したものの差異が明確になるモンドリアン≪砂丘≫などなど。
 このコーナーだけでひと記事になってしまう(笑)。

 これら印象派からクレーやカンディンスキーなど、光の追求や絵具のマテリアル感、線の対象を、見たままではなく自身のフィルターを通して表現することを拓いていった画家たちを、抽象絵画の、ひいてはアンフォルメルという表現誕生のひとつのキーファクターとして観ると、観慣れていた(はず)の美しい作品たちが、またいつもとは異なる空気の中で、メッセージを囁いてくれるのは楽しい。

 第2章:「不定形」な絵画の登場――フォートリエ、デビュッフェ、ヴォルス

 中央の通路を渡る形で入っていく第2章には、タピエが最初にその名「アンフォルメル」を与えた代表的な作家3名の作品で構成される。

 まずはフォートリエ。
 入り口にあったブロンズの塊は≪トルソ≫。きゃー、彼の彫刻作品に出逢えるとは思っていなかったため、すでにここで舞い上がる。その絵画作品にも通ずるあまりに物質的なマッスは、激しい造形の過程そのままに、ふくよかな女性像を形づくる。どこか痛々しくそして愛おしい作品。もう一点、女性の頭部を形とった≪女≫も、室内に展示されているが、この2点を観られただけでも来たかいがある。

Informel_Fautrier_1 その上に、代表連作≪人質≫シリーズからの数点を筆頭に並んだ彼のまさに“アンフォルメル”な油彩作品たちに、時間を忘れる。
 特にすでに描かれているものが何であるかを問わない抽象作品の一連がすばらしい。
 ≪人質≫シリーズは、レジスタンス活動に参加しナチスによって逮捕された経験を持つ彼が、その後監視の目を逃れて潜伏した時に作成したもので、人間が人間として扱われず、モノとしてしか存在できない恐怖と悲哀をたたえ、人物の頭部を思わせる、とても重くて訴求力のある作品で、いずれも強く印象に残るが、その後カンヴァスにあるいはカンヴァスに貼った紙に、厚い油彩絵具を塗り込めた上、さらに色彩をほどこし、描いたり、引っ掻いたりした線を構成した一連の作品がとても好きだ。それは、どっしりとしていながら儚げで、痛々しいと同時に美しい。

Informel_Fautrier_2 今回は、≪無題(四辺面)≫(北九州市立美術館)、≪直方体≫(福岡市美術館)、≪干渉≫(原美術館)が、所蔵品の≪旋回する線≫と並んだコーナーが秀逸。
 大きさもトーンもほぼ揃ったこの4点、それぞれに奏でる微妙な色と線とのハーモニーの違いが一緒になった時、そこには作品単独では味わえない、新たな空気が生みだされていた。
 これこそ展覧会の醍醐味。作品たちはもちろん単独でも十分に魅力的なのだが(特に≪干渉≫は持って帰りたいほど)、空間と隣り合う作品との構成によって、さらなる魅力を輝かせることがある。
 あー、来てよかった!!  

 さらに彼の版画作品も多く展示されている。やはり≪人質≫シリーズを中心に、黒白の世界が油彩のそれとはまた違う空気で、より切実な訴えを持つ。また、1点≪黒い裸婦≫が、楕円の曲線を組み合わせた抽象的ながら有機的な形態で、蠢いているような生命感を感じさせ、印象に残る。
 この一連の版画、持ちかえってゆっくり観たいものだ。(版画集、欲しいな…)

 デビュッフェは、おなじみの子どもの落書きのようなピュアな作品、砂を混ぜたその画面の独特の質感、激しく感情そのままを感じさせる線、やがて画面は色彩の氾濫で、楽しげであるとともにどこか狂気にも似た喧騒を呈していく、その移り変わりが観てとれるラインナップだ。

Informel_Dubuffet MoMAの≪ベッドのジョー・ブスケ≫がここに並ばなかったのは、ちょっと残念だが、国立国際の≪愉快な夜≫(初めて観た)、徳島県立近代の≪熱血漢≫、富山県立近代の≪都会生活≫が、ここの所蔵品と並んでいるのはなかなか。特に≪熱血漢≫、なんともユーモラスで飄々としているようでいながら、タイトルの持つある意味では暑苦しい性格もにじみ出てくるような人物像はいつ観ても楽しい。

 いずれも具体的な対象を描いていながら、画面に感じるのは、絵具の物質性と、線や色の氾濫による音や匂い、生命の持っている熱やエネルギーの赤裸々な発露だ。
 「アール・ブリュット」―生(き)の芸術として、目に見えるものも、見えないものも、ここに“在る”ものを、ひたすらに抉りだしていく彼の創作は、人も動物も街も、非定形の中で混然と融合していく。

 激しい感情を、厚く(熱く)塗りこめていくフォートリエと、外へ大きく表出していくデビュッフェ、絵画の物質性を強調しながらも、アプローチが対照的なふたり。

 そしてデビュッフェで最も嬉しかったのが、国立近代が所蔵する≪草の茂る壁際≫。これも初めて観たような気がする…(汗)。
 縦に長い画面の上部2/3には石垣の壁面が描かれる。下部には地面、その境目に別のカンヴァスから切り取られた素材で、花や草が貼りこまれている。パッと目には褐色の抽象画の一部に草花らしきものが散りばめられているようだけにしか見えないが、近寄るとこのアッサンブラージュの花々がとても可憐に印象的に浮き出ていて、改めて壁面と地面の差異が認識される。
 色彩の美しいグラデーションも、楽しげな貼り絵も、全体のバランスも絶妙で、ちょっと欲しくなる一枚(大きいけど;笑)。

 彼も版画集『物質と記憶』からかなりのリトグラフが展示されており、さまざまな人物の、風景の記憶がユーモアとともにとどめられていて、同時に彼が人体の表現を、リトグラフという手法のさまざまな試行を楽しんでいたことを感じられる。

 3人目のヴォルス。
 廃校間近のバウハウスでクレーやナギに師事した彼には写真作品も残されており、ここでもツアイト・フォト・サロンから2点が展示されてる。めまいを起こしそうな“視線の揺れ”を感じさせる彼の作品は、敢えてかっちりとした構成を画面に捉えないところが、風景を映しながらその水面(≪海の水面の反映、カシスの港≫)や雲(≪雲……≫)の物質としての質感を強調する。

 30代で早世した彼の作品は紙に描かれた繊細で小さいものが多い。それで展示はいつも近寄って覗きこむような形になるが、表されたものはまるで顕微鏡の世界のように有機的で生物的で生々しく、ある種のエロティックさを持っている。
 その生命的な“不定形”は、展覧会という公的な空間にいても、密室的な秘められた輝きと囁きで私たちを魅了する。つい呼吸を忘れるほどに(笑)。

Informel_Wols_1 今回は、クレーを思わせる音楽的な≪作品、または絵画≫(大原美術館)、タピエスの作品を小さくしたような≪構成≫(国立新)の詩的な油彩と、アメーバのような形態に褐色の彩色がなされたグワッシュ作品、そして版画集『ヴォルス』からドライポイントが並べられる。
Informel_Wols_2 いずれもヴォルスらしい幻想性と生命感にあふれているが、やはり版画集がすきだなー。(ちょっと毛虫があったりでギョッともするが;笑)これも自宅でゆっくりめくってみたい誘惑にかられる。
 
 ここでインターバル。
 3章に展示されるスーラージュの質疑応答の映像が流れている。この美術館でこうした映像展示はこれまで見たことがなく、ちょっと新鮮だったが、作品そのものに早く逢いたくて途中でパス(笑)。

 第3章:戦後フランス絵画の抽象的傾向と「アンフォルメルの芸術」

 ここでは、改めて戦後フランス絵画会の流れを確認しつつ、その中でタピエが推進したアンフォルメル運動が隆盛し、その影響がどのような形でさまざまなアーティストの表現に生きているか、そしてその急激な盛り上がりと同時に緩やかな枠組みであったこの活動が終息に向かう姿を、フランスはもちろん、日本、アメリカなども含めて多くのアーティストの作品で見せていく、豪華な空間が展開する。

Informel_Michaux 入ってすぐに並ぶのがミショー。墨絵の≪ムーヴマン≫は、まるで習字のような人体の“形”が踊る。メスカリンの幻覚作用を使った素描シリーズも、その後の≪無題≫シリーズも、常に「動き」を捉えている彼の作品は、シュルレアリストたちの作品に触発されるまでは、文学に関心が高かったことを思わせる、“文字”と“イメージ”という伝達手段の「あわい」に位置されていて愛おしい。

Informel_Haltung_1 そして並べられたその美しさにため息が出たアルトゥング。ブリヂストン新収蔵品の紹介としてもおかれた≪T.1963-K7≫と、≪T1962-U.6≫(富山県立近代)の2作。黒から下部へ向けてブルーに変わる背景に、その絵具を時に太く激しく、時に繊細で流麗に線で引っ掻いて創られた画面の構成は、荘厳な音楽を奏でているようでうっとり。
 近寄ってみれば、その線のみごとな意志と構成が伝わり、一本たりとも無駄のない緊張感にハッとさせられる。
Informel_Haltung_2
 40年代に作成される、曲線と直線、そしてシンプルな色彩で構成された作品たちも弾むようなリズムと勢いを持っていて魅力的だが、この静寂な“音”にたどりついた過程として見るとなお興味深い。
 色と線、それらの組み合わせがいかに人に訴えかける力を持っているか、「言葉」にできない何かを伝えられるか、それを端的に示している。

 同じく色と線が訴えながら対照的に、力強い面を構成する直線で画面を造るスーラージュ。
 基本はモノトーン、時に入るのは激しい赤で、画面に縦横に塗りたくられた色面の勢いと併存する完成された落ち着きは、また別の意味でティンパニの低音が響く交響楽のような逞しさと安定感で圧倒する。
 唯一の来日作品ポンピドゥの≪絵画、195×130cm、1956年8月10日≫が、大きな画面で会場を締めている。

 さらにまた、激しくも軽やかなリズムをもって目に飛び込んでくるのがマチウ。
 しばしば直接チューブから画面に塗りつけられた作品は、曲線の集合体から飛び出すスピード感のある直線がアクセントになって、ピッコロなどの高音がはじけるテンポの速いメロディを視覚化したようだ。

 そのほか、パレットナイフを使ってオールオーバーな画面を造るリオペル、晩年のポロック、カラフルな水彩の跳ねを美しく構成したサム・フランシス(好きだなー)、オランダの「アール・ブリュット」といえそうなアペル、彼とともに芸術家集団「コブラ」のメンバーだったアレシンスキーからフォンタナの≪空間概念≫まで、それぞれの捉え方で、絵画という物質、人・物という形、絵具の質感、色の持つ力、線の饒舌、構成の美を追求し、描かれたものではなく、描かれた世界そのものによって生まれる感情の起伏や印象の喚起を誘う作品たちがバリエーション豊かに展示されている。

 すっかり「不定形なるもの」の世界に浸れる空間になっていてテンションが上がる。
Informel_de_Stael そこにド・スタール!
 ≪コンポジション≫(愛知県立)≪黄と緑の長方形≫(福岡市美)。彼は最期まで具象を抽象的な色彩と形態のリズムに還元していった画家だと思うが、その柔らかい灰と褐色、グリーンを基調とした抑えめの色彩構成で造られる、ザラついた感じを残す画面は、どれを観てもザワザワと心が騒ぐ。淋しげで、人々の記憶に訴えるような詩情がたまらない。

Informel_Domoto_1 日本人作家の作品も厚い。
 菅井汲≪赤い鬼≫、今井利光≪Eclipse≫など、そして当時フランスでタピエに逢いアンフォルメル活動に参加した堂本尚郎の作品がこれまたよい。空間を活かした≪作品≫(ブリヂストン寄託個人蔵)、≪絵画≫(これも昨年度の新収蔵品だそうで)の、静と動の絶妙なバランスとそこから生まれる奥行きと余韻が美しい2品。
Informel_Domoto_2 60年代に入ってからの≪二次的なアンサンブル≫や、雰囲気が変わって一面に塗り込めた黒に所々赤が光る≪連続の溶解9≫も印象的だ。

 詳細は省いたが、この展覧会は、タピエの提唱からその活動の軌跡、同時に当時日本で開催されたいくつものアンフォルメルの展覧会の記録に沿って展示作品の解説がなされている。50年代にこれらの活動を日本に持ってきた画廊や百貨店の展覧会活動、そしてそこに同じく関わっていたブリヂストンの歴史を振り返ることができ、当時いかに最新の文化輸入と支援が行われていたのかを感じさせ、ちょっとその頃にタイムワープしたくなる。

 その集大成として、最後に展示されるのがザオ・ウーキーだ。
 中国人として生まれ、フランスに暮らす彼の展覧会は、2005年(だったか…)に当館で大きな回顧展が開かれている。この展覧会の感動は今でも蘇る。青を基調にした、風景とも抽象とも捉えられる作品の美しさといったら…。ただただ作品の前で立ちつくした幸せな時間…。

 今回もその収蔵作品を一堂に飾ったラストはすばらしい趣向だ。
Informel_Zao_Wou-Ki 横長のもっとも大きな作品≪07.06.85≫は、夜の、あるいは夢の海浜を思わせる奥深い青と白のシンプルな画面。両色の境目に立ち上るように配された白の飛沫と煙が幻夢的な世界を顕現させる。そのままこの二次元の世界に吸い込まれてしまいそうな。
 ≪10.03.76≫は縦長の画面。右側に黒から青が置かれ、それと拮抗するかのように左に大きく白がたゆたっている。こちらはまるで立ち上る霧か雲を思わせ、一緒に昇っていくような上昇感をもたらす。

 このほか、クレーを彷彿とさせる≪21.Sep.50≫、遠くの砂塵を写しだしたような≪15.01.61≫、風景を細い線とわずかな色で詩情豊かに描いた水彩作品やエッチングなど、帰りたくなくなる(笑)空間に、そこまでの満腹感すら忘れて耽溺する。

 「アンフォルメルとは何か」――“不定形なもの”をひとつの言葉に定義することは難しい。
 それは、未曾有の大量死と物質としての人間という悲劇や悲惨を体験した感受性豊かなアーティストたちが、単なる現実の写実的描写では表しきれない“何か”を表現する手段として切実なまでに模索したものであり、同時に近代の絵画の変革を経験してそこから得たものを、さらに自分たちの新たな表現として創造しようとした、生命への希望の継承でもあった。
 しかし何よりも作品に接して感じるのは、色と線と構成に各々が託した想いや感情のメッセージであり、言葉にする代わりに創造しないではいられない苦しみと歓びだ。

 この展覧会を一巡すれば理屈ではなく体感できる。
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テーマ : 絵画・美術
ジャンル : 学問・文化・芸術

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